ANA JOTTA (1946, Lisboa, Portugal) viu i treballa a Lisboa.
Al llarg de les últimes cinc dècades, l'artista portuguesa Ana Jotta ha desenvolupat un vocabulari artístic profundament personal que rebutja i fins i tot antagoniza totes les formes de classificació i identificació. En lloc de qualsevol estil recognoscible, ella advoca per la inconsistència i la irreverència. S'apropia, subverteix i traspassa totes les categories estètiques, creant un món que existeix només en els seus propis termes. Atreta per col·leccionar les imatges, objectes, frases o fins i tot marques en una paret, els seus actes de recol·lecció estan completament entrellaçats amb els seus actes de creació i, a mesura que extreu del que experimenta en el món, torna a ajuntar les peces, en un ordre que és enterament seu.

Per a Arco 2024 ens centrem en un aspecte específic del treball de Jotta: el sentit ampliat que aporta a l'acte de dibuixar. Blind date (Cita a cegues), és un dibuix que s'estén al llarg de les parets de l'estand. Hi ha un principi i un final però no es conta cap història. Amb un format expandit, dibuixat sobre el paper que se solia utilitzar en teatre per a fer decorats, van apareixent figures que se solapen i despleguen a diversos nivells. Com és típic en Jotta, apareixen animals barrejats amb figures humanes, alguns d'ells inspirats en vells llibres infantils, uns altres en l'obra del dibuixant suís Rodolphe Töpffer, uns altres acabats d'inventar per Jotta. Una tira plena de capes superposades i rica en detalls que desplega l'univers lúdic, irònic i a vegades melancòlic d'Ana Jotta i que en alguns detalls es refereix a la seva pròpia biografia.

[BIO]

PATRICIA DAUDER (1973, Barcelona, Espanya). Viu i treballa a Barcelona.
La voluntat de veure més enllà del món visible circumdant, condueix el treball de Patricia Dauder. La seva obra, bé sigui a través de dibuixos, filmacions o escultures, intenta capturar i plasmar el que és extremadament difícil de retenir i visualitzar: el pas del temps, un moment fugaç, una trajectòria efímera, un lloc remot, un espai desaparegut, imaginat o en transformació.

Per a Arco 24 hem seleccionat un grup d'obres sobre paper que van ser part de la seva recent presentació Interiors en ProjecteSD (setembre-novembre 2023). En elles, l'artista ha centrat la seva mirada en l'experiència i la percepció de l'espai interior des d'una aproximació sensorial i mental alhora. Interiors que poden ser espais desconeguts o recordats, llocs que només poden ser aprehesos a través de la idea de rastre, de residu o de memòria. En totes les obres presentades es transmet la idea d'organicitat, d'indefinició, d'evocació que sol recórrer tota la trajectòria de l'artista.

[BIO]

DAURA GARCÍA (1965, Valladolid, Espanya) viu i treballa a Oslo.
Dora García escull i ordena el coneixement com un material per dret propi. Mitjançant una àmplia recerca documental, aprofundeix en temes complexos com la història de la ment irracional i subconscient, i forja vincles amb els grans noms de la literatura, com Walser, Artaud i Joyce. L'obra de Dora García s'engloba en l'escriptura, el cinema, la instal·lació i la performance, ja que se centra en torn a històries que ella organitza i escenifica, evocant situacions pensades per a captar al visitant i desencadenar experiències úniques i introspectives. El resultat d'aquest atles multidisciplinari és un discurs altament conceptual i metafòric que aborda temes com la dimensió artística de la ficció, la marginalitat com a forma de resistència o les lògiques simbòliques que condicionen la nostra relació amb els espais i productes culturals.
En els últims anys, mentre realitzava recerques sobre la història i genealogia del pensament feminista, Dora García ha estat estudiant un nombre important d'artefactes històrics. Exposada a juntament amb els corresponents llibres originals, l'obra Letters of Disappointment (Núm. 2) (Cartes de Decepció (Núm. 2) és una col·lecció de cartes manuscrites copiades per Dora García, a partir de textos originals escrits per set dones notables: Rosa Luxemburg, Alexandra Pizernik, Clara Zetkin, Audre Lorde, Nawal El Saadawi, Angela Davis i Gloria Anzaldua. Els escrits estan impregnats d'un profund desencantament en assumptes personals i col·lectius. L'obra planteja la complicada relació entre socialisme i feminisme: els assoliments progressistes de la revolució i les seves promeses incomplertes. I, no obstant això, lluny de semblar derrotistes, aquests textos proporcionen un terreny comú per al despertar d'una nova resistència solidària.

[BIO]

JOCHEN LEMPERT (Moers, Alemanya, 1958) viu i treballa a Hamburg.
La fotografia analògica en blanc i negre de Jochen Lempert captura el món natural en tots els sentits, en qualsevol lloc i en qualsevol situació. Els rastres de diminutes granotes, el vol lluminós de les cuques de llum, una suau brisa entre les fulles mortes, una constel·lació de pigues en una espatlla… qualsevol ecologia poètica, fotosensible, de vida discreta que estigui a l'abast de la mà, però que només ell sap veure. El profund coneixement de l'artista de les ciències naturals (la seva formació en biologia continua sent fonamental per a la seva identitat), la seva sensibilitat i el seu ull agut, juntament amb el seu coneixement de l'art i la cultura, s'entrecreuen de manera tan orgànica que és impossible restringir el contingut del seu treball a un sola idea. La seva obra es caracteritza per la cerca d'una “imatge” no singular a favor de les associacions entre fotografies, la qual cosa li permet expressar la veritable dimensió de la seva obra. En l'univers de Lempert tot és subjecte. Així, és a través d'una constel·lació d'obres que millor es visualitza la diversitat i riquesa d'aquest. Les obres documentades en les pàgines següents són només alguns exemples del vast repertori de Lempert. Totes elles exposades a Arco en el nostre estand i/o en el showroom adjacent a l'estand.

[BIO]

LUCE (1989, València). Viu i treballa a València
La pràctica artística de LUCE neix lligada als seus passejos per la ciutat i la seva perifèria. El seu treball es tradueix, majorment, en intervencions site-specific, en composicions fotogràfiques que documenten les seves accions i en obra sobre paper. L'escriptura és part fonamental del seu discurs i s'estén en tota la seva obra. Paraules, frases que apareixen recurrentment en subtils intervencions en espais públics. La ciutat com a estímul i espai d'acció i recol·lecció. El dibuix com a resposta, com aquest altre lloc en el qual es destil·len idees i experiències.
Realitzats sobre papers reciclats, en paper de llibretes trobades i, sovint, usades, les obres sobre paper de LUCE són, alhora, cartografies i diaris, apunts i guies. Relats fragmentats dels seus derives per la ciutat i els seus afores, juntament amb algunes reflexions de naturalesa més introspectiva. El llapis, la pintura, el retolador gastat, la màquina d'escriure, les plantilles de dibuix geomètric, ajuden a LUCE a teixir el seu relat. Trajectòries traçades amb rectangles que s'encadenen, entrecreuen i regiren en l'escarit espai del paper. I, per descomptat, no falta la paraula manuscrita en la qual ja és la tipografia icònica i pròpia de LUCE, senzilla i sofisticada alhora. Paraules i frases curtes que a vegades costen de llegir i que semblen desplaçar-se per l'espai del paper. Una manera d'observar i de registrar l'entorn acuradament i sense prejudicis, de pensar-lo, comprendre-ho i compartir-lo.
Les imatges fosques i desdibuixades dels Transfers, són traspassades al paper a partir d'instantànies fotogràfiques que LUCE capta d'allò que troba i viu en els seus recorreguts. Llocs, caminades, elements naturals, ruïnes industrials.

[BIO]

Els trànsits de LUCE en l'espai públic no es limiten a actuacions efímeres que s'erosionen amb el temps i amb els constants canvis dels llocs. Solen documentar-se en composicions fotogràfiques en les quals, sovint, s'insereixen objectes que l'artista ha utilitzat en les seves intervencions o que han estat objecte d'aquestes. Les dues obres que es presenten a continuació són bon exemple d'això.
Ciudad Amarillo documenta l'acció de LUCE en un establiment abandonat de la ciutat de Madrid. La intervenció va consistir a tallar un vell tendal en desús d'un comerç, sobre el qual es quedaven visibles restes de missatges retolats. En aquest cas l'acció no es va limitar al tall sinó que l'artista va actuar posteriorment sobre la pròpia lona retallant una de les lletres originalment trobades, la lletra "O", per a cosir-la damunt i vincular-la a la resta del rètol existent "cidad", per a suggerir la paraula CIUTAT. Una doble acció que ens remet al lloc d'acció i a la referència constant en l'obra de LUCE: la ciutat.
Luz en ti, 16, 23 documenta l'acció de LUCE en una tanca publicitària il·luminada de la ciutat de València. Aquesta és una de les primeres intervencions que l'artista va realitzar d'aquest tipus (iniciada en 2016 i finalitzada en 2023). La intervenció va consistir a inserir des de la part posterior de la tanca una sèrie de textos i figures com a text perforat. De nit, amb la tanca il·luminada, es poden llegir els missatges de LUCE, reaccions al context del lloc i al seu entorn més immediat. Les 33 plantilles de fusta utilitzades per a inscriure els textos i figures es presenten al costat de la fotografia de la tanca intervinguda i encara visible avui a la ciutat de València.

XAVIER RIBAS (1960, Barcelona). Viu i treballa a Londres.
L'obra de XAVIER RIBAS seleccionada per Arco forma part d'una de les sèries més icòniques de l'autor. Es tracta d'una de les fotografies de la seva celebrada sèrie Diumenges de mitjans de la dècada de 1990 en les quals l'autor va captar l'ocupació espontània de les perifèries urbanes de Barcelona. Hem triat concretament Sin Título (Flores) per ser potser una de les menys reconegudes de les 31 fotografies que conformen la sèrie. L'obra té a més un bell classicisme que la vincula a la tradició de la natura morta, sense per això perdre la seva subtil però incisiva mirada cap a una realitat social concreta. Flors damunt d'una taula amb estovalles en primer pla. Darrere un solar erm amb un paisatge de contenidors amuntegats de fons.
Com assenyala Álvaro de los Ángeles*: “Ribas troba a Diumenges el seu lloc en el fi equilibri entre l'expectació del ritual conegut i l'inesperat de la trobada fortuïta”.

Cita extreta del catàleg Flores y frutos, Col·lección Banco de España, 2022, pàg. 132.

[BIO]

MATT MULLICAN (1951, Santa Monica). Viu i treballa a Nova York i Berlín.
El treball de Mullican es basa en una determinació absoluta de comprendre el món en el qual existeix; no un món d'idees centrat en objectes, sinó un món centrat en imatges informat per experiències. Gran part del seu procés de creació artística té les seves arrels en la seva capacitat per a "entrar en la imatge" i percebre una narrativa emocional/física alternativa. Al llarg de la seva dilatada carrera, l'artista ha desenvolupat un sistema únic de codis visuals per a representar i reconfigurar un món material. Formes en colors primaris serveixen com a demarcacions existencials del territori psicològic, la representació simbòlica de la seva proposada "cosmologia". Cada obra defineix una relació entre un mateix i l'altre, entre el conegut i l'incognoscible. En presentar i explorar repetidament el seu propi llenguatge visual intuïtiu de signes Mullican ens desafia a comprendre les nostres pròpies percepcions i a recalibrar el que veiem i el que som.
Recordant la seva performance de 1977 en Hallwalls, Going to Heaven. l'artista diu: “Hi ha una esfera. Jo soc el centre de la mateixa i això és tot el que existeix, aquest és l'univers conegut. I a mesura que els meus sentiments canviessin, els colors del cercle canviarien. Si fos feliç el món es tornaria groc. Si estigués trist, es posaria blau. El que succeïa era que hi havia una espècie de retroalimentació entre el que veia i el que sentia. Aquest va ser el final de la performance. Va durar uns dos minuts. I aquest va anar realment el començament de les imatges de "Heaven"…. El pictograma del "Heaven" és una diana. Una diana que és la ment. El que la ment fa per si mateixa, això és "Heaven”.

[BIO]

La sèrie de dibuixos Stick Figures és una obra d'importància històrica avui, que es va iniciar quan Mullican era encara estudiant de Cal Arts i estava en la classe anomenada Post-
Studio Art. L'artista no tenia estudi i va inventar un imaginari i un personatge en ell a qui va anomenar Glen. A partir d'aquesta idea van sorgir centenars de dibuixos d'una “figura
de pal” en diferents posicions, amb una curta i simple frase a mode de peu de foto, en les quals s'inclouen afirmacions com ara: “el seu cor”, “volent impressionar-me”, “el seu trapezi (aixeca l'espatlla)”, etc. La representació d'un personatge fictici reduïda a la mínima expressió gràfica que, al costat dels textos que descriuen les seves emocions, les seves qualitats físiques, la seva realitat quotidiana, sembla cobrar vida enfront de nosaltres. En examinar els dibuixos, un darrere l'altre, el nostre sentiment d'empatia creix, signes gràfics que aconsegueixen que la nostra ment projecti un sentiment real a mesura que la informació s'acumula.

GILDA MANTILLA & RAIMOND CHAVES (1967 Los Angeles, els EUA; 1963, Bogotà, Colòmbia). Viuen i treballen a Lima, el Perú.
Mantilla & Chaves utilitzen les imatges com a eines de confrontació dialèctica amb els contextos en els quals aquestes s'inscriuen. A través de dibuixos, instal·lacions, cartells, material d'arxiu, projectes col·lectius i tallers, (re)interpreten gèneres i tradicions associades al dibuix, la cartografia, el paisatge, el retrat o els passatemps, i ironitzen sobre els diferents imaginaris involucrats. El seu treball tant s'enfoca en els processos de representació i identificació que, mitjançant imatges, permeten la construcció d'un determinat territori; com a utilitzar-les perquè aquestes, les imatges, parlin de si mateixes, de com estan fetes, de la seva pròpia condició, dels seus abastos i limitacions.
Per a Arco 24 hem seleccionat un grup de dibuixos de tots dos artistes, alguns part de la seva recent exposició a ProjecteSD Dibuixos de Presoners, altres anteriors.
Encara que realitzats per cadascun dels artistes per separat, sempre sorgeixen de projectes i cossos d'obres concebuts pels dos artistes en comú.

[BIO]

IÑAKI BONILLAS (Ciudad de México, México, 1981) viu i treballa a Ciutat de Mèxic.
Combinant enfocaments fotogràfics conceptuals, personals i d'arxiu, Iñaki Bonillas investiga la materialitat i la profunditat semiòtica del mitjà. Bonillas aborda la història cultural de la fotografia per a ressaltar el comportament estructural del mitjà i la seva relació amb la creació d'identitat.

Libro de horas: Miércoles i Libro de horas: Domingo  són part de la sèrie Diario de sucesos poco notables, un cos d'obra que l'artista va crear durant la pandèmia en 2020. Les obres utilitzen un conjunt d'imatges de l'arxiu personal de l'artista, les fotografies amateur que ell mateix va prendre fa uns 25 anys. El que li va interessar a Bonillas va ser que, a causa de la disposició dels negatius en successió cronològica, la pel·lícula o la bobina es converteix en una matriu múltiple, que porta totes aquestes imatges separades per barres negres. Va decidir, llavors, saltar-se aquestes fronteres, subvertirt l'ús canònic del negtaivo i construir noves narratives visuals basades precisament en la idea de proximitat. El resultat és una col·lecció d'imatges ordinàries fragmentades, les vores de la imatge, la qual cosa no pretenia ocupar el centre de la fotografia. Imatges que funcionen com a finestres que giren entorn d'un buit, com si fossin grans rellotges de paret, en els quals cada hora és una obertura al món.

[BIO]

ASIER MENDIZABAL (Ordizia, Espanya, 1973) viu i treballa entre Bilbao i Estocolm.

Asier Mendizabal ha desenvolupat un notable cos de treball centrat principalment en les relacions entre forma, discurs i ideologia. La qüestió del signe i la seva materialitat i identificació com a emblema social i polític ocupen un lloc central entre els seus interessos. Sent l'escultura abstracta el seu registre més representatiu, l'obra de Mendizabal es desplega en molts altres mitjans, des del format fílmic a la serigrafia, en banderes, sèries fotogràfiques o collages, sempre amb un sentit intuïtiu pel gràfic i l'escultòric.

Per a Arco 2024 es presenten dues escultures de la sèrie Condensar (2021) amb collages únics de les sèries Trama i Illustration exposats en el nostre Showroom.

[BIO]

GUILLAUME LEBLON (Lilla, França, 1971) viu i treballa a Nova York.
Tres obres de diferents anys i diversos mitjans es presenten en el nostre showroom a Arco. En tots elles es troben les reflexions entorn de conceptes duals com a interior i exterior, superfície i volum, model i objecte, moviment i estancament, ús i falta de funció. L'obra de Leblon és una reconstrucció paradoxal de la vida i l'art, que conté referències inherents que mai s'articulen explícitament.

L'obra més recent, Precipitation (black), és un dibuix que va formar part del projecte America de Leblon on es va representar subtilment un paisatge a través d'un conjunt d'objectes escultòrics i obres sobre paper que van ser elaborades a partir de paraigües trencats trobats abandonats als carrers de la ciutat de Nova York després d'una tempesta.

Contact és una obra primerenca composta per un parell de sabates usades, les soles desgastades de les quals han estat reconstruïdes minuciosament i han recuperat la seva forma original. No obstant això, si un usés aquestes sabates, les soles apedaçades es trencarien. En haver estat reparats amb revestiment de polièster, no estan fets per a arribar a destí.

A Notes, la cambra es desplaça per un espai experimental, l'estudi de l'artista, que després de ser envaït per argila i aigua, es metamorfosa en un escenari on paisatge i espai interior es fonen, mentre un conjunt d'objectes i accions fragmentades s'esbossen com si un intent performatiu. Mans i peus se submergeixen en el fang i en la memòria enterrada del paisatge.

[BIO]

MARC NAGTZAAM (Helmond, Països Baixos, 1968) viu i treballa en Sluiskil, Països Baixos.
La seva obra se centra en la producció d'un cos de treball basat en un tema principal: la idea del patró, la repetició. El seu mitjà és el dibuix. La majoria dels dibuixos de Marc Nagtzaam consisteixen en superfícies de grafit, en blanc i negre. Els elements abstractes de l'arquitectura, el disseny gràfic, els detalls de les fotografies trobades o parts de dibuixos anteriors són punts de partida per a cada sèrie d'obres. Partint d'aquest material de referència, l'artista el redueix a la mínima expressió mitjançant mitjans bàsics i elementals: punts, línies i superfícies planes, per a construir una espècie d'estructura derivada. Com el propi artista assenyala: "Busco representacions d'una realitat (aparentment) concreta, així com també busco imatges que només puguin existir com un dibuix".
La repetició i l'estructura gràfica de les seves obres semblen recordar una estètica minimalista i conceptual.

[BIO]