La voluntad de ver más allá del mundo visible circundante inmediato conduce el trabajo de Patricia Dauder. Intenta capturar lo que es extremadamente difícil de retener: el tiempo, un momento fugaz, una trayectoria efímera, algo sin forma, un lugar remoto. Su trabajo es esencialmente visual y procesual, un rasgo común a todos los medios que utiliza, ya sean objetos tridimensionales, dibujos, películas o imágenes encontradas.

La escultura Weather Sticks se presentó por primera vez en la XIV Bienal de Cuenca, Ecuador (2019) comisariada por Jesús Fuenmayor. La exposición pretendía proponer una reflexión sobre el arte como experiencia plural: estética, sensorial, intelectual, emocional, afectiva, psicológica, así como política, social y antropológica. Dauder trabajó con arcilla y pigmentos para que al mezclarlos y hornearlos a baja temperatura, estos reaccionaran al ambiente absorbiendo su humedad. Durante varias semanas, los "palos" de cerámica estuvieron parcialmente enterrados en un patio de Cuenca. y los cambios climáticos durante ese tiempo quedaron "impresos" en la cerámica, dejando algunas marcas visibles como manchas más oscuras y líneas sinuosas en su superficie.

Whale Lines y Marquesas Patrón V pertenecen a la serie Secciones. Son obras sobre papel tratado con técnicas litográficas. La duplicación, la superposición y los palimpsestos generan imágenes que tienen un efecto muy parecido al de una película proyectada sobre otra imagen. Los motivos de Secciones fueron el resultado de la acumulación de una serie de imágenes que Dauder estaba preparando para su película Insulana. Muchas eran imágenes de archivo que hacían referencia a la historia, la geografía o las tradiciones de las Islas Azores. Algunas eran imágenes extraídas de libros de antropología, tatuajes de las islas del Pacífico Sur, libros sobre pesca de ballenas. Otros son dibujos de la propia artista que tratan la idea de fractura, movimiento, superposición, capas. o patrones que han sido grabados en la piel de personas, animales o en la superficie de una geografía. Dauder decidió interconectar todo este material, sin importar si una imagen era un dibujo o una imagen fotográfica encontrada. La técnica litográfica permitía obtener una gran definición en el material fotográfico y al mismo tiempo tenía un elemento artesanal que permitía controlar y manipular la impresión final. Sin título es un dibujo original más reciente que se ajusta a las ideas expresadas en las obras de Secciones. Así, dialoga a la perfección con el resto de obras en el estand.

El trabajo de Koenraad Dedobbeleer revela lo sorprendente en lo que nos es familiar. Como atento observador de la realidad, el artista basa su trabajo en la presentación de objetos y espacios que dan cabida a tenues transformaciones. Sus objetos, esculturas y fotografías son el resultado de su contemplación muy subjetiva del tejido urbano y arquitectónico de nuestro entorno cotidiano.

Los motivos en estas fotografías son objetos bastante simples o banales que mediante el proceso de reproducción fotográfica se convierten en entidades escultóricas. La mayoría de ellos tienen un aire casi atemporal pero arcaico, incluso etnográfico en algunos casos. Las imágenes se hicieron primero con un iPhone, son instantáneas rápidas, poco compuestas, en su mayoría tomadas como una forma de ayudar al artista a recordar algo que vio y encontró interesante, casi como tomar una nota. Posteriormente, con una cámara analógica (una Sinar P2, 4x5 para ser exactos) Dedobbeleer vuelve a fotografiar estas imágenes directamente desde la pantalla del ordenador. Aunque lo que vemos son impresiones en gelatina de plata muy bien enmarcadas, se puede sentir que este tipo de imagen no se podría realizar con una cámara tan técnica.

La obra escultórica Instincts are Ahead of the Mind, una mesa, se presenta en nuestro stand junto a algunas obras de la artista portuguesa Ana Jotta, en una interesante y poco convencional disposición.

La obra de Ana Jotta escapa a cualquier intento de clasificación estilística o definición tipológica. Tomando prestadas alegremente sus fuentes de inspiración de la historia del arte, el cine, la poesía, las artes populares y vernáculas, los cómics y los libros infantiles, Ana Jotta se aplica con agilidad y rigor a deconstruir los preceptos de distinción entre arte y vida, las llamadas artes menores y mayores recurriendo a técnicas domésticas y artesanales sin una jerarquía de relaciones entre unas y otras. La pintura, el dibujo, el collage, la cerámica, el bordado, la costura y la poesía son igualmente importantes en el recorrido artístico de Jotta. Su trabajo nunca deja de cuestionar las nociones de autoría, identidad y originalidad.

El área asignada a Jotta en nuestro stand se concibe como un pequeño espacio donde se muestra una combinación ecléctica de obras en diferentes medios, en una presentación modesta y poco opulenta. Algunas de sus obras objetuales estarán dispuestas sobre una mesa que, de hecho, es obra del artista belga Koenraad Deddobeleer. Esto se combinará con una pintura de su serie Grandes Mestres da Literatura Policial (2010) y algunos de sus objetos más recientes de la serie Os Plastificados (2019).

El libro de artista Un jour sans pain* est un jour sans soleil [“Un día sin pan es un día sin sol”], suena a un típico dicho francés, pero el asterisco complica un poco las cosas: en el lomo del leporello, la artista nos instruye a leer “pain” en inglés, agregando así un toque sarcástico a este lema comercial. La ausencia de sol y el paraguas pueden referirse al tsuyu, la temporada de lluvias durante la cual se expuso el libro en Japón. 

Los Plastificados son un conjunto de obras sobre papel presentadas en expositores. Esta es una serie abierta en el cuerpo de trabajo de Jotta. Concebidas por la artista como un equivalente visual de notas a pie de página o citas en una especie de diario visual, trazan, esbozan, registran y juegan con palabras, signos, colores e ideas.

La fotografía analógica en blanco y negro de Jochen Lempert (Hamburgo, 1958) captura las huellas de los fenómenos naturales en todos los sentidos, en cualquier lugar, en cualquier situación. Animales, humanos, hojas de árboles, paisajes naturales o urbanos, libélulas, abejas, nubes, granos de arena, enjambres de insectos voladores, el cielo, el mar, los pájaros, la luna, las flores, el agua, el sol, son solo algunos de los motivos que uno puede encontrar en el repertorio de Lempert. El profundo conocimiento de las ciencias naturales del artista (su formación en biología sigue siendo fundamental para su identidad), su sensibilidad y su ojo agudo, junto con su conciencia por el arte y la cultura se entrecruzan tan orgánicamente que es imposible restringir los contenidos de su obra a una sola idea.

Una de las cualidades cautivadoras del trabajo fotográfico de Lempert es precisamente su capacidad para superar la presencia del aparato fotográfico. La forma en que observa el mundo y presenta su trabajo es tan modesta y generosa que deja de tener importancia si la cámara estaba o no allí. Es su mirada, su mente, la que capta y realiza las fotografías con total libertad, una capacidad de experimentación sin restricciones y una sensibilidad arraigada en inquietudes atemporales.

La búsqueda de una “imagen” no singular a favor de los enlaces entre fotografías permite a Jochen Lempert expresar la verdadera dimensión de su obra. En su universo todo es sujeto, por lo tanto, es a través de una constelación de obras que mejor se visualiza la diversidad y riqueza del mismo.  Una fotografía lleva a otra y luego a otra y luego a muchas... en una especie de juego entre luz y sombra, brillo y oscuridad, transparencia y opacidad, atmosférico y compacto. Y muchas más ideas que el observador puede descubrir.

Asier Mendizabal ha desarrollado un notable cuerpo de trabajo centrado principalmente en las relaciones entre forma, discurso e ideología. La cuestión del signo y su materialidad e identificación como emblema social y político ocupan un lugar central entre sus intereses. En sus obras, Mendizabal pone en perspectiva las complejas articulaciones entre lo estético y lo político, y reconsidera los legados, las posibilidades, pero también las faltas, de la tradición de la escultura como monumento y de ciertas vanguardias artísticas históricas. Siendo la escultura abstracta su registro más representativo, la obra de Mendizabal se despliega en muchos otros medios, desde el formato fílmico a la serigrafía, en banderas, series fotográficas o collages, siempre con un sentido intuitivo por lo gráfico y lo escultórico.

Las superposiciones son la base de las esculturas de la serie Diagramas de dispersión (scatterplot). En éstas, recortes impresos y muy ampliados de imágenes varias (multitudes, nubes de humo...) se combinan con cristales y espejos unos encima de otros, de manera que el sujeto de cada composición se hace difícil de visualizar. No solo por el propio ensamblaje de las capas sino también, aún más, por la propia interferencia de lo reflejado sobre las zonas especulares en ellas. Para su título, Mendizabal ha recurrido a términos o herramientas propias de la matemática. De la misma forma que se suele interpretar en estos gráficos estadísticos, en las esculturas de Mendizabal, es también la mezcla de relaciones simples entre variables que se hace visualmente evidente como patrones superpuestos.

En contraposición a esta “dispersión” encontramos las pequeñas esculturas de la serie Condensar. Realizadas con cadenas metálicas industriales y bridas de plástico, se trata de obras densas, nucleares, masas abigarradas, cerradas, atadas, que van en contra de la supuesta movilidad de una cadena, de una linealidad o secuencia gráfica o lingüística. Si en las obras anteriores se hacía referencia a lo cartesiano de los gráficos matemáticos, aquí se rompe este esquema para devolvernos a un espacio más caótico y más orgánico.

“Sumergirse en el color. Esa es la experiencia que propone Pieter Vermeersch”, señala el comisario francés François Piron (1). Y así es, efectivamente, una experiencia de inmersión total lo que ofrece la obra del pintor flamenco. Ya sea a través de sus pinturas murales, o en sus obras sobre lienzo u otras superficies, Vermeersch logra provocar una poderosa relación entre la obra y el espectador.

(1)To Be Immersed in Colour. François Piron in Variations, Ludion Publishers, 2019

Vermeersch es conocido por sus pinturas de “degradados de color”, que son el resultado de mezclar una gran cantidad de colores en un acabado tan perfectamente uniforme y sutil que la separación entre un color y otro ya no se percibe, desaparece, se desvanece. La fusión de las múltiples tonalidades crea entonces un efecto desdibujado, una especie de infinitud.

Junto con una nueva pintura, presentamos algunas nuevas obras pequeñas sobre madera petrificada. A estas piedras, superficies encontradas con un alto nivel de composición pictórica propia, el artista añade una imagen, o mejor dicho, una parte de una imagen. Si en obras anteriores Vermeersch ha utilizado mármol u otro tipo de piedras naturales para simplemente añadir toques de pintura en un gesto bastante reductivo, lo que hace ahora es más complejo. El proceso implica serigrafiar sobre la piedra en bruto una fotografía de sí misma convertida en una cuadrícula de puntos. El resultado es un cuadro borroso, si todavía podemos llamarlo pintura, donde la naturalidad de la superficie está, paradójicamente, en sintonía con la tinta de la serigrafía. Al imprimir sobre la piedra, Vermeersch activa su dimensión más temporal y añade una nueva capa, la del presente.

El color se desvanece en la luz y luego en el espacio. La materia se convierte en imagen. El trabajo de Vermeersch se traduce en una experiencia física única que no puede codificarse en ningún discurso.