ANA JOTTA (1946, Lisboa, Portugal) vive y trabaja en Lisboa.
A lo largo de las últimas cinco décadas, la artista portuguesa Ana Jotta ha desarrollado un vocabulario artístico profundamente personal que rechaza e incluso antagoniza todas las formas de clasificación e identificación. En lugar de cualquier estilo reconocible, ella aboga por la inconsistencia y la irreverencia. Toma, subvierte y traspasa todas las categorías estéticas, creando un mundo que existe sólo en sus propios términos. Atraída por coleccionar las imágenes, objetos, frases o incluso marcas en una pared, sus actos de recolección están completamente entrelazados con sus actos de creación y, a medida que extrae de lo que experimenta en el mundo, vuelve a juntar las piezas, en un orden que es enteramente suyo.

Para Arco 2024 nos centramos en un aspecto específico del trabajo de Jotta: el sentido ampliado que aporta al acto de dibujar. Blind date (Cita a ciegas), es un dibujo que se extiende a lo largo de las paredes del stand. Hay un principio y un final pero no se cuenta ninguna historia. Con un formato expandido, dibujado sobre el papel que se solía utilizar en teatro para hacer decorados, van apareciendo figuras que se solapan y despliegan a varios niveles. Como es típico en Jotta, aparecen animales mezclados con figuras humanas, algunos de ellos inspirados en viejos libros infantiles, otros en la obra del dibujante suizo Rodolphe Töpffer, otros recién inventados por Jotta. Una tira llena de capas superpuestas y rica en detalles que despliega el universo lúdico, irónico y a veces melancólico de Ana Jotta y que en algunos detalles se refiere a su propia biografía.

[BIO]

PATRICIA DAUDER (1973, Barcelona, España). Vive y trabaja en Barcelona.
La voluntad de ver más allá del mundo visible circundante, conduce el trabajo de Patricia Dauder. Su obra, bien sea a través de dibujos, filmaciones o esculturas, intenta capturar y plasmar lo que es extremadamente difícil de retener y visualizar: el paso del tiempo, un momento fugaz, una trayectoria efímera, un lugar remoto, un espacio desaparecido, imaginado o en transformación.

Para Arco 24 hemos seleccionado un grupo de obras sobre papel que fueron parte de su reciente presentación Interiores en ProjecteSD (septiembre-noviembre 2023). En ellas, la artista ha centrado su mirada en la experiencia y la percepción del espacio interior desde una aproximación sensorial y mental a la vez. Interiores que pueden ser espacios desconocidos o recordados, lugares que solo pueden ser aprehendidos a través de la idea de rastro, de residuo o de memoria. En todas las obras presentadas se transmite la idea de organicidad, de indefinición, de evocación que suele recorrer toda la trayectoria de la artista.

[BIO]

DORA GARCÍA (1965, Valladolid, España) vive y trabaja en Oslo.
Dora García lige y ordena el conocimiento como un material por derecho propio. Mediante una amplia investigación documental, profundiza en temas complejos como la historia de la mente irracional y subconsciente, y forja vínculos con los grandes nombres de la literatura, como Walser, Artaud y Joyce. La obra de Dora García se engloba en la escritura, el cine, la instalación y la performance, ya que se centra en torno a historias que ella organiza y escenifica, evocando situaciones pensadas para captar al visitante y desencadenar experiencias únicas e introspectivas. El resultado de este atlas multidisciplinar es un discurso altamente conceptual y metafórico que aborda temas como la dimensión artística de la ficción, la marginalidad como forma de resistencia o las lógicas simbólicas que condicionan nuestra relación con los espacios y productos culturales.
En los últimos años, mientras realizaba investigaciones sobre la historia y genealogía del pensamiento feminista, Dora García ha estado estudiando un número importante de artefactos históricos. Expuesta a junto con los correspondientes libros originales, la obra Letters of Disappointment (Nº 2) (Cartas de Decepción (Nº 2) es una colección de cartas manuscritas copiadas por Dora García, a partir de textos originales escritos por siete mujeres notables: Rosa Luxemburg, Alexandra Pizernik, Clara Zetkin, Audre Lorde, Nawal El Saadawi, Angela Davis y Gloria Anzaldua. Los escritos están impregnados de un profundo desencanto en asuntos personales y colectivos. La obra plantea la complicada relación entre socialismo y feminismo: los logros progresistas de la revolución y sus promesas incumplidas. Y, sin embargo, lejos de parecer derrotistas, estos textos proporcionan un terreno común para el despertar de una nueva resistencia solidaria.

[BIO]

JOCHEN LEMPERT (Moers, Alemania, 1958) vive y trabaja en Hamburgo.
La fotografía analógica en blanco y negro de Jochen Lempert captura el mundo natural en todos los sentidos, en cualquier lugar y en cualquier situación. Los rastros de diminutas ranas, el vuelo luminoso de las luciérnagas, una suave brisa entre las hojas muertas, una constelación de pecas en un hombro… cualquier ecología poética, fotosensible, de vida discreta que esté al alcance de la mano, pero que sólo él sabe ver. El profundo conocimiento del artista de las ciencias naturales (su formación en biología sigue siendo fundamental para su identidad), su sensibilidad y su ojo agudo, junto con su conocimiento del arte y la cultura, se entrecruzan de manera tan orgánica que es imposible restringir el contenido de su trabajo a uno sola idea. Su obra se caracteriza por la búsqueda de una “imagen” no singular a favor de las asociaciones entre fotografías, lo que le permite expresar la verdadera dimensión de su obra. En el universo de Lempert todo es sujeto. Así, es a través de una constelación de obras que mejor se visualiza la diversidad y riqueza del mismo. Las obras documentadas en las páginas siguientes son sólo algunos ejemplos del vasto repertorio de Lempert. Todas ellas expuestas en Arco en nuestro estand y/o en el showroom adyacente al estand.

[BIO]

LUCE (1989, Valencia). Vive y trabaja en Valencia
La práctica artística de LUCE nace ligada a sus paseos por la ciudad y su periferia. Su trabajo se traduce, mayormente, en intervenciones site-specific, en composiciones fotográficas que documentan sus acciones y en obra sobre papel. La escritura es parte fundamental de su discurso y se extiende en toda su obra. Palabras, frases que aparecen recurrentemente en sutiles intervenciones en espacios públicos. La ciudad como estímulo y espacio de acción y recolección. El dibujo como respuesta, como ese otro lugar en el que se destilan ideas y experiencias.
Realizados sobre papeles reciclados, en papel de libretas encontradas y, a menudo, usadas, las obras sobre papel de LUCE son, a la vez, cartografías y diarios, apuntes y guías. Relatos fragmentados de sus derivas por la ciudad y sus afueras, junto con algunas reflexiones de naturaleza más introspectiva. El lápiz, la pintura, el rotulador gastado, la máquina de escribir, las plantillas de dibujo geométrico, ayudan a LUCE a tejer su relato. Trayectorias trazadas con rectángulos que se encadenan, entrecruzan y revuelven en el escueto espacio del papel. Y, por supuesto, no falta la palabra manuscrita en la que ya es la tipografía icónica y propia de LUCE, sencilla y sofisticada a la vez. Palabras y frases cortas que a veces cuestan de leer y que parecen desplazarse por el espacio del papel. Una forma de observar y de registrar el entorno cuidadosamente y sin prejuicios, de pensarlo, comprenderlo y compartirlo.
Las imágenes oscuras y desdibujadas de los Transfers, son traspasadas al papel a partir de instantáneas fotográficas que LUCE capta de aquello que encuentra y vive en sus recorridos. Lugares, caminatas, elementos naturales, ruinas industriales.

[BIO]

Los tránsitos de LUCE en el espacio público no se limitan a actuaciones efímeras que se erosionan con el tiempo y con los constantes cambios de los lugares. Suelen documentarse en composiciones fotográficas en las que, a menudo, se insertan objetos que el artista ha utilizado en sus intervenciones o que han sido objeto de las mismas. Las dos obras que se presentan a continuación son buen ejemplo de ello.
Ciudad Amarillo documenta la acción de LUCE en un establecimiento abandonado de la ciudad de Madrid. La intervención consistió en cortar un viejo toldo en desuso de un comercio, sobre el cual se quedaban visibles restos de mensajes rotulados. En este caso la acción no se limitó al corte sino que el artista actuó posteriormente sobre la propia lona recortando una de las letras originalmente halladas, la letra "U", para coserla encima y vincularla al resto del rótulo existente "cidad", para sugerir la palabra CIUDAD. Una doble acción que nos remite al lugar de acción y a la referencia constante en la obra de LUCE: la ciudad.
Luz en ti, 16, 23 documenta la acción de LUCE en una valla publicitaria iluminada de la ciudad de Valencia. Esta es una de las primeras intervenciones que el artista realizó de este tipo (iniciada en 2016 y finalizada en 2023). La intervención consistió en insertar desde la parte trasera de la valla una serie de textos y figuras como texto perforado. De noche, con la valla iluminada, se pueden leer los mensajes de LUCE, reacciones al contexto del lugar y a su entorno más inmediato. Las 33 plantillas de madera utilizadas para inscribir los textos y figuras se presentan junto a la fotografía de la valla intervenida y aún visible hoy en la ciudad de Valencia.

XAVIER RIBAS (1960, Barcelona). Vive y trabaja en Londres.
La obra de XAVIER RIBAS seleccionada para Arco forma parte de una de las series más icónicas del autor. Se trata de una de las fotografías de su celebrada serie Domingos de mediados de la década de 1990 en las que el autor captó la ocupación espontánea de las periferias urbanas de Barcelona. Hemos escogido concretamente Sin Título (Flores) por ser quizá una de las menos reconocidas de las 31 fotografías que conforman la serie. La obra tiene además un bello clasicismo que la vincula a la tradición del bodegón, sin por ello perder su sutil pero incisiva mirada hacia una realidad social concreta. Flores encima de una mesa con mantel en primer plano. Detrás un solar baldío con un paisaje de contenedores amontonados de fondo.
Como señala Álvaro de los Ángeles*: “Ribas encuentra en Domingos su lugar en el fino equilibrio entre la expectación del ritual conocido y lo inesperado del encuentro fortuito”.

*Cita extraída del catálogo Flores y frutos, Colección Banco de España, 2022, pág. 132.

[BIO]

MATT MULLICAN (1951, Santa Monica). Vive y trabaja en Nueva York y Berlín.
El trabajo de Mullican se basa en una determinación absoluta de comprender el mundo en el que existe; no un mundo de ideas centrado en objetos, sino un mundo centrado en imágenes informado por experiencias. Gran parte de su proceso de creación artística tiene sus raíces en su capacidad para "entrar en la imagen" y percibir una narrativa emocional/física alternativa. A lo largo de su dilatada carrera, el artista ha desarrollado un sistema único de códigos visuales para representar y reconfigurar un mundo material. Formas en colores primarios sirven como demarcaciones existenciales del territorio psicológico, la representación simbólica de su propuesta "cosmología". Cada obra define una relación entre uno mismo y el otro, entre lo conocido y lo incognoscible. Al presentar y explorar repetidamente su propio lenguaje visual intuitivo de signos Mullican nos desafía a comprender nuestras propias percepciones y a recalibrar lo que vemos y lo que somos.
Recordando su performance de 1977 en Hallwalls, Going to Heaven. el artista dice: “Hay una esfera. Yo soy el centro de la misma y esto es todo lo que existe, ese es el universo conocido. Y a medida que mis sentimientos cambiaran, los colores del círculo cambiarían. Si fuera feliz el mundo se volvería amarillo. Si estuviera triste, se pondría azul. Lo que sucedía era que había una especie de retroalimentación entre lo que veía y lo que sentía. Ese fue el final de la performance. Duró unos dos minutos. Y ese fue realmente el comienzo de las imágenes de "Heaven"…. El pictograma del "Heaven" es una diana. Una diana que es la mente. Lo que la mente hace por sí misma, eso es "Heaven”.

[BIO]

La serie de dibujos Stick Figure es una obra de importancia histórica hoy, que se inició cuando Mullican era aún estudiante de Cal Arts y estaba en la clase llamada Post-
Studio Art. El artista no tenía estudio e inventó uno imaginario y un personaje en él a quien llamó Glen. A partir de esta idea surgieron cientos de dibujos de una “figura de palo” en diferentes posiciones, con una corta y simple frase a modo de pie de foto, en las que se incluyen afirmaciones tales como: “su corazón”, “queriendo impresionarme”, “su trapecio (levanta el hombro)”, etc. La representación de un personaje ficticio reducida a la mínima expresión gráfica que, junto a los textos que describen sus emociones, sus cualidades físicas, su realidad cotidiana, parece cobrar vida frente a nosotros. Al examinar los dibujos, uno tras otro, nuestro sentimiento de empatía crece, signos gráficos que consiguen que nuestra mente proyecte un sentimiento real a medida que la información se acumula.

GILDA MANTILLA & RAIMOND CHAVES (1967 Los Ángeles, EE.UU; 1963, Bogotá, Colombia). Viven y trabajan en Lima, Perú. Mantilla & Chaves utilizan las imágenes como herramientas de confrontación dialéctica con los contextos en los que éstas se inscriben. A través de dibujos, instalaciones, carteles, material de archivo, proyectos colectivos y talleres, (re)interpretan géneros y tradiciones asociadas al dibujo, la cartografía, el paisaje, el retrato o los pasatiempos, e ironizan sobre los diferentes imaginarios involucrados. Su trabajo tanto se enfoca en los procesos de representación e identificación que, mediante imágenes, permiten la construcción de un determinado territorio; como en utilizarlas para que éstas, las imágenes, hablen de sí mismas, de cómo están hechas, de su propia condición, de sus alcances y limitaciones.
Para Arco 24 hemos seleccionado un grupo de dibujos de ambos artistas, algunos parte de su reciente exposición en ProjecteSD Dibujos de Prisioneros, otros anteriores. Aunque realizados por cada uno de los artistas por separado, siempre surgen de proyectos y cuerpos de obras concebidos por los dos artistas en común.

[BIO]

IÑAKI BONILLAS (Ciudad de México, México, 1981) vive y trabaja en Ciudad de México.
Combinando enfoques fotográficos conceptuales, personales y de archivo, Iñaki Bonillas investiga la materialidad y la profundidad semiótica del medio. Bonillas aborda la historia cultural de la fotografía para resaltar el comportamiento estructural del medio y su relación con la creación de identidad.

Libro de horas: Miércoles y Libro de horas: Domingo son parte de la serie Diario de sucesos poco notables, un cuerpo de obra que el artista creó durante la pandemia en 2020. Las obras utilizan un conjunto de imágenes del archivo personal del artista, las fotografías amateur que él mismo tomó hace unos 25 años. Lo que le interesó a Bonillas fue que, debido a la disposición de los negativos en sucesión cronológica, la película o la bobina se convierte en una matriz múltiple, que porta todas esas imágenes separadas por barras negras. Decidió, entonces, saltarse esas fronteras, subvertirt el uso canónico del negtaivo y construir nuevas narrativas visuales basadas precisamente en la idea de proximidad. El resultado es una colección de imágenes ordinarias fragmentadas, los bordes de la imagen, lo que no pretendía ocupar el centro de la fotografía. Imágenes que funcionan como ventanas que giran en torno a un vacío, como si fueran grandes relojes de pared, en los que cada hora es una apertura al mundo.

[BIO]

ASIER MENDIZABAL (Ordizia, España, 1973) vive y trabaja entre Bilbao y Estocolmo.
Asier Mendizabal ha desarrollado un notable cuerpo de trabajo centrado principalmente en las relaciones entre forma, discurso e ideología. La cuestión del signo y su materialidad e identificación como emblema social y político ocupan un lugar central entre sus intereses. Siendo la escultura abstracta su registro más representativo, la obra de Mendizabal se despliega en muchos otros medios, desde el formato fílmico a la serigrafía, en banderas, series fotográficas o collages, siempre con un sentido intuitivo por lo gráfico y lo escultórico.

Para Arco 2024 se presentan dos esculturas de la serie Condensar (2021) con collages únicos de las series Trama e Illustration expuestos en nuestro Showroom.

[BIO]

GUILLAUME LEBLON (Lille, Francia, 1971) vive y trabaja en Nueva York.
Tres obras de diferentes años y diversos medios se presentan en nuestro showroom en Arco. En todos ellas se encuentran las reflexiones en torno a conceptos duales como interior y exterior, superficie y volumen, modelo y objeto, movimiento y estancamiento, uso y falta de función. La obra de Leblon es una reconstrucción paradójica de la vida y el arte, que contiene referencias inherentes que nunca se articulan explíciotamente.

La obra más reciente, Precipitation (black), es un dibujo que formó parte del proyecto América de Leblon donde se representó sutilmente un paisaje a través de un conjunto de objetos escultóricos y obras sobre papel que fueron elaboradas a partir de paraguas rotos encontrados abandonados en las calles de la ciudad de Nueva York tras una tormenta.

Contact es una obra temprana compuesta por un par de zapatos usados, cuyas suelas desgastadas han sido reconstruidas minuciosamente y han recuperado su forma original. Sin embargo, si uno usara estos zapatos, las suelas remendadas se romperían. Al haber sido reparados con revestimiento de poliéster, no están hechos para llegar a destino.

En Notes, la cámara se desplaza por un espacio experimental, el estudio del artista, que tras ser invadido por arcilla y agua, se metamorfosea en un escenario donde paisaje y espacio interior se funden, mientras un conjunto de objetos y acciones fragmentadas se esbozan como si un intento performático. Manos y pies se sumergen en el barro y en la memoria enterrada del paisaje.

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MARC NAGTZAAM (Helmond, Países Bajos, 1968) vive y trabaja en Sluiskil, Países Bajos.
Su obra se centra en la producción de un cuerpo de trabajo basado en un tema principal: la idea del patrón, la repetición. Su medio es el dibujo. La mayoría de los dibujos de Marc Nagtzaam consisten en superficies de grafito, en blanco y negro. Los elementos abstractos de la arquitectura, el diseño gráfico, los detalles de las fotografías encontradas o partes de dibujos anteriores son puntos de partida para cada serie de obras. Partiendo de este material de referencia, el artista lo reduce a la mínima expresión mediante medios básicos y elementales: puntos, líneas y superficies planas, para construir una especie de estructura derivada. Como el propio artista señala: "Busco representaciones de una realidad (aparentemente) concreta, así como también busco imágenes que solo puedan existir como un dibujo".
La repetición y la estructura gráfica de sus obras parecen recordar una estética minimalista y conceptual.

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