Reconocido como uno de los artistas más destacados de la escena contemporánea española actual, Asier Mendizabal ha desarrollado un notable cuerpo de trabajo que se ha centrado principalmente en las relaciones entre forma, discurso e ideología. La cuestión del signo, su materialidad e identificación como emblema social y político, se hallan entre los intereses del artista.  Aunque la escultura abstracta es su registro más representativo, su obra se resuelve a través de diversos medios y procedimientos. Collages, instalaciones, banderas o estandartes, fotografías y obras sobre papel, son parte importante de su vocabulario artístico, siempre con un sentido intuitivo por lo gráfico y lo escultórico. El artista es autor de múltiples textos vinculados estrechamente a su práctica artística.

Iniciamos este sintético recorrido por la trayectoria de Mendizabal con su actual exposición en ProjecteSD, Sinfines. La muestra agrupa un conjunto de nuevos trabajos en los que la ambigua relación entre fragmento y totalidad, fondo y figura, signo y significado, recurrentes en la obra de Mendizabal, son revisados a partir de una nueva aproximación.

Sinfines toma el título de la pieza que centra la muestra, un gran mural que recorre todo el ancho del muro principal de la sala. Mendizabal ha trabajado con varios rollos de papel “sinfín” de varios colores, los que se utilizan como fondos neutros para fotografía de estudio. Recortados y superpuestos en varias capas, habiendo alterado el eje de lo que sería su uso habitual, se generan composiciones que nos podrían remitir a abstracciones geométricas. Lo que Mendizabal pone en evidencia con este ejercicio es la intercambiabilidad de cada composición.

Un modus operandi parecido se utiliza en la serie de collages Parabel. A través de secciones por cortes y superposiciones de dos papeles fotográficos que interrumpen la continuidad de la imagen de una ya obsoleta herramienta de delineación, se quiebra el patrón formal para hacer aparecer composiciones parabólicas de carácter aleatorio. Nuevas formas sin continuidad, interrumpidas y sin sentido.

Las superposiciones son la base de las esculturas de la serie Diagramas de dispersión (scatterplot). En éstas, recortes impresos y muy ampliados de imágenes varias (multitudes, nubes de humo...) se combinan con cristales y espejos unos encima de otros, de manera que el sujeto de cada composición se hace difícil de visualizar. No solo por el propio ensamblaje de las capas sino también, aún más, por la propia interferencia de lo reflejado sobre las zonas especulares en ellas. Para su título, Mendizabal ha recurrido a términos o herramientas propias de la matemática. De la misma forma que se suele interpretar en estos gráficos estadísticos, en las esculturas de Mendizabal, es también la mezcla de relaciones simples entre variables que se hace visualmente evidente como patrones superpuestos.

En contraposición a esta “dispersión” encontramos las pequeñas esculturas de la serie Condensar. Realizadas con cadenas metálicas industriales y bridas de plástico, se trata de obras densas, nucleares, masas abigarradas, cerradas, atadas, que van en contra de la supuesta movilidad de una cadena, de una linealidad o secuencia gráfica o lingüística. Si en las obras anteriores se hacía referencia a lo cartesiano de los gráficos matemáticos, aquí se rompe este esquema para devolvernos a un espacio más caótico y más orgánico.

"Mendizabal construye obras que crean instantes de gran poder simbólico al amparo de signos conocidos por el grupo e imágenes de un realismo aparente. Pero este realismo no es nunca literal. Buscando en las fallas de la modernidad (económica y funcional) que ha llegado tarde al propio territorio y ya desposeída del deseo de erigirse en lenguaje universal, al artista le queda el terreno de lo vernáculo como espacio de investigación y fuente de significados. La modernidad llega a territorio hispano ya convertida en modernismo: la industrialización del País Vasco en los años cincuenta, la alteración de una composición social y demográfica semirrural a través del fenómeno de la inmigración y la evolución de una situación política polarizada desde los años sesenta e institucionalizada desde principios de los ochenta van dejando transpirar los efectos de la globalización en la producción y consumo de bienes, ideas e imágenes.

Las ideas fundadoras de lo moderno –eficacia, racionalidad, progreso, economía de los gestos, simplicidad de las formas, mecanización…– y sus corolarios sociales –igualdad, educación, salubridad y saneamiento…– tuvieron correlatos estéticos relativamente desfasados hasta finales del siglo xx. Paradójicamente, en la entrada del entorno cultural vasco en el siglo xxi ha primado la construcción de imágenes que tienen más de vernáculo, de lo propio distintivo, que de lo pretendidamente universal. Los elementos visuales que nos amalgaman tienen potentes instrumentos para imponerse. Aquellas imágenes que nos definen y nos identifican necesitan el poder del simbolismo para circular entre los miembros de su clientela."

Bartomeu Marí

Hard Edge son 6 piezas de DM que están resueltas escultóricamente reproduciendo un gesto de sustracción, un tallado longitudinal en alguno de sus bordes. El término Hard Edge denomina, de manera genérica, un lenguaje caracterizado por composiciones de formas geométricas de afilados bordes. Acuñado originalmente por un grupo de pintores californianos, Hard Edge, fue también el título de una exposición en la galería Denise René de París en 1964. Una exposición programática de un contexto en torno al cual desarrolló Equipo 57, que ese mismo año exhibirá para el última vez en la citada galería a pesar de su progresiva dispersión y del encarcelamiento de Agustín Ibarrola dos años antes.

Las series Figures and Prefigurations (Divers) y The Staff that Matters, reproducen fotomontajes de artistas que, procedentes de contextos ideológicos diferentes, llegarán a similares resoluciones formales. Las unidades de las series comparten una plantilla común como relleno para las figuras. Esa plantilla recortada es a su vez un montaje de fragmentos de fotografías que muestran concentraciones de gente, tomadas desde una posición elevada, la representación clásica del sujeto colectivo y uno de los motivos de otro género de entreguerras, el cartel político. La técnica del fotomontaje le permite al artista explorar la relación de tensión entre fondo y figura, entre forma y contenido y entre estética e ideología.

Soft Focus de Asier Mendizabal, relacionada con la idea de la superposición de lo perceptual con lo político, es una de las obras más penetrantes de la exposición. Instalada en uno de los espacios que rodean el jardín Vergini del Arsenale, un proyector de dipsoistivas muestra imágenes de objetos (una rueda, una serie de tenedores de madera, trajes etnográficos) en la pared del fondo. Las imágenes proyectadas documentan los fondos del Museo San Telmo en San Sebastián, España, y fueron tomadas originalmente por miembros de la familia Koch, fotógrafos vascos que hicieron una crónica de la gente de la región. Mendizabal se interesa no solo en la presentación de la identidad que conllevan las fotos, sino también en cómo los estilos visuales particulares, aquí, el "enfoque suave" de la estética nebulosa de la familia Koch, pueden modificarlas. En un breve ensayo (impreso en papel para que lo lleven los visitantes), Mendizabal señala una serie de episodios en la historia de la interacción del modernismo con lo popular: su intento de velarlo, suavizarlo o distanciarlo, de perseguir tanto las líneas duras de la objetividad etnográfica como la más borrosa de una utopía nostálgica.. Aunque el sujeto de Mendizabal (la identidad vasca) está lejos de Venecia, sus temas no. La propia historia compleja de Venecia con el modernismo (y con los modernismos de otras pueblos, como telón de fondo, provocación, imagen) está profundamente marcada por las metáforas visuales que ofrece la ciudad, sus vistas cambiantes, enrredadas calles y la persistente presencia de agua en los canales. Al igual que el trabajo de Tim Davies y Vesa Pekka Rannikko en sus propios pabellones, o los desvanecimientos casi invisibles de Al-Ani de un paisaje a otro en "Shadow Sites", "Soft Focus" enfatiza no solo la visión, sino también los velos y ópticas, los puntos ciegos y miopías que lo condicionan y que iluminan (u oscurecen) sus objetos (y sujetos).

Emily Warner

Para su segunda exposición en ProjecteSD, Mendizabal propuso una nueva serie de ensamblajes escultóricos que, unidos y acompañados de un conjunto de composiciones serigráficas que reproducen fotografías de multitudes, problematizan la idea y la representación de lo colectivo. Para ello el artista utiliza como herramienta y base de experimentación un elemento gráfico inherente a la técnica de la impresión offset, el punto de la trama, a la que recurre tanto en los collages serigráficos presentados como en las bases escultóricas que construye.

Rotation (Moiré, Rome) y Rotation (Moiré, Egin) flanquean las esculturas y de alguna forma desvelan el sistem utilizado por Mendizabal. El artista nos remite aquí de nuevo a imágenes de congregaciones multitudinarias, que históricamente adquieren una presencia fundamental en el imaginario moderno con el advenimiento de la fotografía y de la circulación de las primeras fotografías en revistas ilustradas. En estas piezas el artista repite en cuatro gestos la misma imagen, pero en cada cuadrante ésta aparece distinta. El elemento formal que las hace distintas no es más que la rotación deliberada en cada una de ellas de los puntos de la trama que construye la propia fotografía impresa, que hace que las pequeñas cabezas que forman la imagen, se deformen hasta hacerlas una masa irreconocible.

La doble proyección Das Unbekannte Spanien/España, tipos y trajes consiste en una serie de diapositivas de imágenes obtenidas de dos libros de fotografía, uno del fotógrafo español pictorialista José Ortiz Echagüe y otro del fotógrafo alemán Kurt Hielscher.

Ambos artistas, coetáneos, se dedicaron, desde ópticas distintas, a documentar el territorio español, sus monumentos y sus gentes de comienzos del siglo XX. La fotografía de viaje se convirtió en una práctica habitual gracias a las nuevas posibilidades de la fotografía surgidas en aquel momento y se extendió a otros territorios y nacionalidades.

Mendizabal no se limita a presentar las imágenes de forma secuencial. Una vez más, actúa solapando, entrelazando las dos proyecciones, generando una distorsión que no es casual, sino que añade una sutil significación al tema del cual la exposición, en todas y cada una de sus piezas, se ocupa: la dificultad para vincular forma con contenido y de representar en definitiva la realidad. En palabras del propio artista: “la contradicción siempre presente en la articulación de lo político: la imposible conciliación entre lo individual y lo colectivo”.

En Woodcut (Modest Imperative), Asier Mendizábal profundiza en la relación entre forma artística e ideología, en esta ocasión a través de una reflexión sobre la técnica de la xilografía. La obra es un grabado en tres partes que tiene su inicio en una xilografía chino original del período de la Revolución Cultural, que se ha descompuesto en sus tres campos de color. Una imagen tradicional china que se refiere tanto a su técnica como a la escena representada, se convierte en la fuente que el artista toma para revelar los conceptos clave sobre el control de la representación en la China de Mao. A pesar de ser una obra bidimensional, la presencia implícita de la madera dota a la obra de una calidad escultórica que enlaza con la tradición de la escultura vasca y las prácticas del grupo Estampa Popular.

El cuerpo de trabajo que configura Concavitat, la tercera exposición de Asier Mendizabal en ProjecteSD, surge de la investigación que el artista desarrolló en el contexto del proyecto Zarigüeya/Alabado Contemporáneo que concluyó con su exposición individual Problemas de estilo y vasijas de barro presentada en el Museo de Arte Precolombino Casa del Alabado en Quito en abril de 2016.

Continúa Mendizabal con el proceso de análisis de las relaciones entre forma, discurso e ideología a través de la historia de la modernidad. En esta ocasión el autor centra su interés en los orígenes de colecciones arqueológicas y etnográficas desarrolladas durante el periodo colonial y poscolonial en los siglos XIX y XX, en territorio latinoamericano. Mendizabal utiliza como fuente para generar su nuevo corpus de obra, una serie de trabajos realizados por el científico francés Paul Rivet en la expedición conocida como la Segunda Misión Geodésica Francesa a lo largo de Ecuador en los inicios del siglo XX, posteriormente compilados en la monumental publicación Ethnographie Ancienne de l’Equateur de 1922. Mendizabal trabaja, por un lado, a partir de una serie de fotograbados en los que se reunían cientos de vasijas cerámicas precolombinas, y por otro lado con material resultante de estudios antropométricos de cráneos humanos.

En palabras del propio Mendizabal: “No deja de haber, en la fe ingenua de quien quiere adivinar la evolución de la inteligencia a través de la forma de su recipiente, una correspondencia con la intuición formal que adscribe tan a menudo metáforas antropomórficas a vasijas y otros contenedores. La capacidad de alojar algo, la concavidad, como símbolo que se hace más o menos figurativo en forma de vientre, sexo o cráneo.”

Los grabados de Rivet reunían vasijas clasificadas, no tanto por origen o datación, sino por sus similitudes formales. Las imágenes se disponían sobre el fondo blanco de la plancha configurando constelaciones arbitrarias, producto de aprovechar el formato de la lámina para su impresión. Un tratamiento parecido puede verse en las recopilaciones visuales de cráneos de individuos de diversas culturas, en grabados o fotograbados, y también dispuestos sobre fondo blanco. Estas eran publicaciones habituales hasta bien entrado el siglo XX, en el contexto de la antropología del momento, antes de que la etnografía hiciera del artefacto cultural y no de las diferencias físicas el sujeto de su estudio.

Junto a estas obras en papel se presentan algunas esculturas nuevas tituladas genéricamente Stilfragen (crania). Son pequeñas piezas hechas con hormigón que pueden parecerse a cabezas, jarrones o recipientes. Mendizábal ha impreso en su superficie las huellas de urdimbre de cestería. Aquí nuevamente el artista cuestiona el relato histórico occidental de las tecnologías como vehículos significativos que han favorecido los gestos y las habilidades técnicas asociadas a la expresión del individuo (tallar, cortar, moldear, vaciar) sobre la trama rudimentaria de fibras flexibles, una técnica que parece estar más bien ligado a un acto social, a un conocimiento colectivo.

Las piezas "Limbo" consisten en un desarrollo de la obra con la que participó en la Bienal de São Paulo 2014. Titulada Agoramaquia (el caso exacto de la estatua), la obra anterior estaba compuesta por cinco grandes piezas de hierro y caucho que informaban directamente de una obra perdida del también escultor vasco Jorge Oteiza (1908-2003). En una aproximación especulativa a la obra de Oteiza, las piezas de Mendizabal eran planos perforados, como traspasados ​​por cilindros. Jugando con la simulación de un espacio interior y con el binomio lleno-vacío, estas piezas no solo consolidaron la noción de escultura como un proceso de desocupación espacial -concepto básico de Oteiza, aquí ejemplarmente cumplido- sinó también señalando las paradojas presentes en las obras de su paisano: el impulso de crear mediante la resta, el deseo de afirmar mediante la negación y, en definitiva, la misión de hacer ciudad mediante la escultura. Las obras "Limbo" mantienen el planteamiento formal anterior, pero invierten su escala y adaptan su materialidad. Dúctiles, translúcidas y mucho más modestas en tamaño, son instancias, estados de una transformación que señala un movimiento doble y paradójico: la revelación paulatina de la estructura escultórica y su desaparición lenta pero progresiva.

La primera presentación del trabajo de Asier Mendizabal en ProjecteSD fue una exposición con el artista belga Koenraad Dedobbeleer. Mendizabal y Dedobbeleer se conocen desde 1997. Su relación personal, sus afinidades y el profundo conocimiento que cada uno tiene del trabajo del otro fueron razones de peso para proponerles realizar una exposición conjunta. Ésta fue una excelente ocasión para presentar por primera vez a dos artistas de la galería. La exposición que presentamos no fue un proyecto en colaboración sino un intento de elaborar una presentación de trabajos en el espacio expositivo.

La Ruota Dentata (Rueda dentada) es una escultura de hierro y hormigón ensamblada en cuatro partes que se asemeja a una rueda dentada sobredimensionada. A través de esta simple estructura, la escultura hace referencia a un icono preciso. "Ruota dentata" era el logotipo y título del periódico publicado por el artista futurista Vinicio Paladini en 1927, en el que recogió a modo de manifiesto las ideas del Movimiento Imaginista, una rama radical de izquierdas escindida del futurismo derechista. Mendizabal rescata este símbolo icónico de un movimiento artístico marginal y casi olvidado, y le otorga un tamaño importante como en un intento fetichista de reutilizar una forma de representación, no exenta de intención.