PREVIEW ART BASEL 2023

Combinando enfoques fotográficos conceptuales, personales y de archivo, Iñaki Bonillas investiga la materialidad y la profundidad semiótica del medio. Bonillas aborda la historia cultural de la fotografía para resaltar el comportamiento estructural del medio y su relación con la creación de identidad.

Espejo Infinito (2023) es un conjunto de 4 fotografías en forma de collage en las que Bonillas recupera cuatro retratos del Sr. Plaza (su abuelo materno). Fotografías tomadas sin alterar los álbumes originales, que Bonillas coloca sobre varios números antiguos de la revista Life que tratan temas similares a los del contexto de J.R. Plaza en cada fotografía. Una vez más, Bonillas busca, compone y vincula cada fotografía con una situación que recompone la imagen de su abuelo como un posible personaje de ficción que va y viene ante nosotros.

Para la serie Marginalia (2019), Iñaki Bonillas decidió trabajar con libros de fotografía, porque le parecen espacios en los que las imágenes pueden desenvolverse con gran libertad. Basta buscar la misma fotografía impresa en dos o tres libros para entender que en realidad no sabemos nada de ella, pues, en sus múltiples desdoblamientos, a veces es sepia, a veces blanco y negro, a veces amarilla. El encuadre cambia tanto como el tamaño, el contraste e incluso la calidad, dependiendo del método de impresión.

Para Art Basel mostraremos un conjunto de obras nuevas. Tres dibujos, Pliegues (2023), Winter Room (2023), Inner Structure (2023) y la escultura Night Shift (2023). Estas obras son el resultado de largos procesos, manuales y mentales, a través de los cuales la artista refleja sus principales intereses sobre la formalidad, sobre lo visible, sobre el tiempo, sobre los cuerpos orgánicos, sobre la decadencia y el desgaste.

La voluntad de ver más allá del mundo visible circundante, conduce el trabajo de Patricia Dauder. La artista intenta capturar lo que es extremadamente difícil de retener: el paso del tiempo, un momento fugaz, una trayectoria efímera, un espacio remoto o en transformación. Su obra no se limita a un solo medio. El dibujo podría considerarse como central en su desarrollo artístico. Pero desde hace años la escultura, la imagen en movimiento y las obras de carácter pictórico sobre soportes varios juegan un papel decisivo y son necesarias para comprender su obra.

El trabajo de Koenraad Dedobbeleer desvela lo sorprendente en lo familiar. Como observador atento de la realidad, el artista basa su trabajo en la presentación de objetos y espacios que acogen transformaciones sutiles. Sus objetos, esculturas y fotografías, son el resultado de su percepción subjetiva del tejido arquitectónico, urbano y doméstico de nuestro entorno.

La obra seleccionada por Koenraad Dedobbeleer para Art Basel es una pieza nueva. Durante el último año y medio, Dedobbeleer ha viajado a la isla de Murano, hogar desde la Edad Media de los artesanos y creadores de las célebres técnicas de fabricación del vidrio veneciano, para visitar los talleres donde se almacenan piezas de vidrio sobrantes, rotas o no deseadas. Seleccionando materiales inconexos, de diferentes épocas y estilos, el artista ha ensamblado esta lámpara-escultura. En Disastrously Misplaced Optimism, Dedobbeleer compone y yuxtapone piezas inconexas de formas inesperadas. La obra se sitúa entre lo utilitario y lo escultórico, lo que permite al artista seguir cuestionando la producción artística y de diseño, así como la historia de la exposición.

Tomando prestadas alegremente sus fuentes de inspiración de la historia del arte, el cine, la poesía, las artes populares y vernáculas, los cómics y los libros infantiles, Ana Jotta construye un mundo idiosincrásico cuyo modus operandi consiste en esquivar las reglas.

Finissage es una imagen fotográfica en la que vemos una mujer, la propia artista, que se cubre el rostro mientras sostiene con sus manos un papel en el que se lee un texto en portugués que traducido al español sería: “Me muevo lo justo para que nadie me dé por muerta antes de tiempo”. Sugerente, irónica y algo perturbadora frase que tiene su origen en un texto encontrado que Ana incluyó en sus denominadas “notas a pie de página”. Se trata de cosas de la más variada naturaleza – con las que Jotta se tropieza en su vida diaria y cuyas cualidades – formales, simbólicas, conceptuales, o de otro tipo – capturan su interés de una manera muy especial. Finissage se complementará con una serie de obras recientes, clásicas y de pequeño formato de Ana Jotta, todas ellas dispuestas sobre una mesa.

Ana Jotta expone en este momento en ProjecteSD, Never Never Land, hasta el 21 de junio de 2023.

La fotografía analógica en blanco y negro de Jochen Lempert captura los rastros de los fenómenos naturales en todos los sentidos, en cualquier lugar y en cualquier situación. Animales, humanos, hojas de árboles, paisajes, libélulas, abejas, nubes, granos de arena, enjambres de insectos voladores, el cielo, el mar, pájaros, la luna, flores, agua, el sol, son sólo algunos de los motivos que se pueden encontrar en el repertorio de Lempert. El profundo conocimiento del artista de las ciencias naturales (su formación en biología sigue siendo fundamental para su identidad), su sensibilidad y su ojo agudo, junto con su conocimiento del arte y la cultura, se entrecruzan de manera tan orgánica que es imposible restringir el contenido de su trabajo a uno sola idea.

Desde la década de 1970, la práctica artística de Matt Mullican abarca multitud de medios, desde las técnicas más artesanales hasta las tecnologías más sofisticadas. Su obra investiga los sistemas de conocimiento, los símbolos, los signos y el lenguaje, y refleja la fascinación del artista por la relación entre la percepción y la representación. Este sistema de signos y pictogramas de lenguaje no verbal es el hilo conductor de su trabajo, que abarca desde el frottage, la escultura, el dibujo y la fotografía, hasta el cine, o la animación por ordenador, la instalación y la performance.

Matt Mullican empezó los dibujos de Stick Figure cuando aún era estudiante en Cal Arts, en la clase llamada Post-Studio Art. No tenía estudio y se inventó uno imaginario y un personaje en él que se llamaba Glen. De ahí partió la idea de crear cientos de dibujos de una “figura de palo” en diferentes posiciones, con una frase corta y sencilla como pie de foto, frases como: “Su corazón”, “Intenta asombrarme”, “Su trapecio (levanta el hombro)”, etc. La representación de un personaje de ficción reducido a la mínima expresión gráfica que, junto con los textos que describen sus emociones, su físico, su realidad cotidiana, parece cobrar vida ante nosotros. A medida que examinamos los dibujos, uno tras otro, crece nuestro sentimiento de empatía. Signos gráficos que disparan nuestra mente para proyectar un sentimiento real a medida que se acumula la información.

“Sumergirse en el color. Esa es la experiencia que propone Pieter Vermeersch”, señala el comisario francés François Piron (1). Y así es, efectivamente, una experiencia de inmersión total lo que ofrece la obra del pintor flamenco. Ya sea a través de sus pinturas murales, o en sus obras sobre lienzo u otras superficies, Vermeersch logra provocar una poderosa relación entre la obra y el espectador. 

Color fundiéndose en luz y luego en espacio. Materia convirtiéndose en imagen. El trabajo de Vermeersch y sus exposiciones se traducen en una experiencia física única que no puede codificarse dentro de ningún discurso.

(1)To Be Immersed in Colour. François Piron en Variations, Ludion Publishers, 2019